« Scène 2. Prise 33. Bobine 1. Et… action ! » Une voix off au ton dramatique, des décors aux accents rétro et une esthétique directement inspirée des séries cultes des années 1990 : dès les premières secondes, le décor est planté.

Avec FOREVER GUESS EYEWEAR, GUESS imagine une véritable mini-série en quatre actes, portée par Leni Klum. Le mannequin de 22 ans, fille de Heidi Klum et du chanteur Seal, interprète successivement The Gossip, The Ex-Girlfriend, The Genius et The Legend.

Quatre personnalités, quatre univers et surtout quatre façons d’affirmer son style. À travers cette campagne, GUESS célèbre une génération de femmes qui ne se définit plus par une seule identité, mais revendique au contraire la liberté d’en explorer plusieurs.

Quatre personnages, quatre attitudes

Déjà familière des podiums et du petit écran, notamment en tant que jurée de l’édition allemande de Next Top Model, Leni Klum incarne parfaitement cette nouvelle génération de personnalités capables de passer d’un univers à l’autre.

« À travers chaque histoire, le logo G de FOREVER GUESS devient un symbole de confiance, d’attitude et de l’évolution de ce que représente GUESS aujourd’hui », souligne Nicolai Marciano, Chief New Business Development Officer de la maison.

Premier rôle : The Gossip. Pétillante et spontanée, Leni apparaît une sucette fruitée à la main, derrière une monture blanc cassé légèrement oversized, reconnaissable à son emblématique G. Une silhouette qui évoque les héroïnes des sitcoms des années 1990, avec une touche d’ironie résolument contemporaine.

Place ensuite à The Ex-Girlfriend. Rose rouge, larmes de cinéma et mise en scène théâtrale : tous les codes de la rupture romantique sont réunis. Leni joue la revanche amoureuse avec une paire de lunettes ovales serties de strass, qui accentue une féminité assumée et spectaculaire.

Avec The Genius, le décor change. Cheveux parfaitement tirés en chignon, allure studieuse et monture aux lignes plus académiques : derrière cette apparente sagesse se dessine une personnalité beaucoup plus affirmée. Les lunettes apportent à cette silhouette intellectuelle une dose de sophistication et d’audace.

Dernier acte : The Legend. Foulard en soie noué dans les cheveux, allure de star hollywoodienne et montures ovales aux accents vintage. Leni adopte ici une élégance intemporelle, inspirée des grandes icônes de la mode, sans jamais tomber dans le passéisme.

Quand la nostalgie rencontre la modernité

Avec FOREVER GUESS EYEWEAR, GUESS ne cherche pas à reproduire les années 1990 à l’identique. La marque en revisite plutôt les codes les plus reconnaissables : le glamour, l’humour, le drama et cette esthétique volontairement théâtrale qui caractérisait les séries de l’époque.

Les quatre montures affichent des personnalités radicalement différentes, mais un élément les réunit : le G de GUESS, véritable fil rouge de la campagne. Plus qu’un logo, il devient une signature qui traverse les styles, les attitudes et les personnages.

The Gossip, The Ex-Girlfriend, The Genius, The Legend : quatre rôles, quatre lunettes et autant de façons d’affirmer sa personnalité. Avec Leni Klum comme nouvelle muse, GUESS transforme ainsi la nostalgie des années 1990 en une déclaration de style résolument contemporaine.

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Le 3 septembre, le théâtre antique de Carthage s’est transformé en écrin pour le retour de Haifa Wehbe, après plusieurs années d’absence. Une arrivée très attendue, accueillie par une foule venue célébrer l’une des figures les plus reconnaissables de la pop arabe. Le public, nombreux, a accompagné la chanteuse tout au long de la soirée, transformant chaque titre en moment de communion.

Mais avant même les premières notes, c’est son allure qui a capté les regards.

Une silhouette dorée signée Rami Kadi

Pour cette soirée particulière, Haifa Wehbe a confié sa silhouette au créateur libanais Rami Kadi. Sa robe, entièrement pensée autour du mouvement et de la lumière, adopte une spectaculaire coupe sirène qui épouse la silhouette avant de s’évaser avec élégance.

Le doré n’est pas ici un simple choix chromatique. Sous les lumières de la scène, il devient presque une seconde peau, faisant écho aux pierres du théâtre antique et à l’atmosphère précieuse de Carthage.

Les détails scintillants et les éléments métalliques apportent à la tenue une dimension couture, tandis que les bijoux en diamants prolongent cette esthétique précieuse. Une proposition à la fois glamour, théâtrale et parfaitement adaptée à une artiste habituée à faire de chacune de ses apparitions un véritable moment de mode.

Le look a été coordonné par Cédric Haddad, avec un maquillage signé Dany Kamel, qui a privilégié des tonalités dorées sur les yeux, un trait d’eyeliner noir et une bouche nude. Les cheveux, laissés longs et ondulés, complètent une allure de diva assumée.

Carthage, comme une scène de cinéma

Il y avait quelque chose de particulièrement symbolique dans cette apparition. Face aux gradins du théâtre antique, Haifa n’a pas seulement retrouvé son public tunisien : elle a retrouvé une scène chargée d’histoire.

Dès son entrée, les applaudissements et les cris ont donné le ton. La chanteuse a parcouru son répertoire, entre titres emblématiques et morceaux plus récents, faisant notamment résonner « Badna Nroue », « Chou El Matloub », « Ana Haifa Ana » et « Bouss El Wawa », avant de faire également découvrir au public son univers musical plus récent.

Le public, debout et particulièrement participatif, a accompagné les chansons et repris plusieurs refrains avec l’artiste. Une énergie qui a rapidement dépassé le simple concert pour devenir un véritable spectacle.

Une soirée placée sous le signe du show

Avec ses musiciens, ses choristes et ses danseurs, Haifa Wehbe a proposé une performance construite autour du mouvement, des lumières et de la chorégraphie.

Après plusieurs années loin de la scène de Carthage, les retrouvailles avaient forcément une dimension particulière. Le théâtre affichait complet et l’accueil réservé à la chanteuse a confirmé la place singulière qu’elle conserve dans l’imaginaire populaire arabe.

Sur scène, la chanteuse a également partagé son émotion face à cet accueil, évoquant Carthage et la Tunisie avec affection. Son retour s’est ainsi transformé en véritable moment événementiel, largement relayé sur les réseaux sociaux dès le lendemain.

Quand la mode rencontre la musique

À Carthage, Haifa Wehbe a une nouvelle fois démontré que son image artistique ne se limite pas à la musique. La mode fait partie intégrante de son langage.

Et pour cette soirée, le choix de Rami Kadi était particulièrement cohérent : une création spectaculaire, lumineuse et sculpturale, capable d’exister à la hauteur d’une scène mythique.

Une robe dorée, un théâtre millénaire, des milliers de voix et une artiste qui retrouve son public : à Carthage, Haifa Wehbe aura signé son retour avec tous les codes d’une véritable soirée glamour.

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Il est des parfums qui traversent les époques sans jamais perdre leur pouvoir de fascination. L’Heure Bleue est de ceux-là. Créée en 1912 par Jacques Guerlain, cette fragrance historique occupe une place singulière dans le patrimoine de la Maison, aux côtés de Jicky, Mitsouko ou encore Samsara.

Son inspiration tient à un instant fugace, presque irréel : celui où le jour s’efface doucement pour laisser place à la nuit. Une parenthèse suspendue où les contours du monde se teintent de bleu, où la lumière se fait plus douce et où le temps semble ralentir.

Jacques Guerlain résumait ainsi cette vision : « Le soleil s’est couché, la nuit pourtant n’est pas tombée. C’est l’heure suspendue… » Une déclaration poétique qui, plus de cent ans plus tard, continue de définir l’âme de L’Heure Bleue.

Une icône olfactive entre héritage et modernité

En 2026, Guerlain choisit de faire dialoguer ce patrimoine avec une sensibilité contemporaine. Baptisée L’Heure Bleue 2026, cette nouvelle interprétation est imaginée par la parfumeuse Delphine Jelk, qui conserve l’empreinte olfactive de l’original tout en lui insufflant une nouvelle lumière.

L’accord emblématique de violette, d’iris et de vanille demeure au cœur de la composition. Mais de nouvelles facettes viennent en révéler le caractère : la fleur d’oranger apporte une luminosité délicate, tandis que l’accord ozonique évoque cette fraîcheur particulière de l’air au crépuscule. L’ambroxan, enfin, apporte profondeur et modernité à l’ensemble.

Le résultat s’inscrit dans une famille florale-ambrée, avec cette dualité chère à L’Heure Bleue : à la fois enveloppante et aérienne, poudrée et lumineuse, intemporelle mais résolument actuelle.

Un flacon comme un hommage au patrimoine Guerlain

Parce que chez Guerlain, le flacon fait partie intégrante de la légende, L’Heure Bleue 2026 revisite également les codes de son prédécesseur.

Les épaules inspirées de l’Art nouveau sont conservées, tout comme le bouchon reconnaissable à sa structure en forme de cœur inversé. Les lignes gagnent toutefois en sobriété et en élégance, dans une interprétation plus contemporaine.

Pensé pour accompagner les nouveaux usages du luxe, le flacon adopte également un format rechargeable, faisant dialoguer le geste précieux du parfum avec une approche plus durable.

Quand le parfum devient objet de désir

Pour cette renaissance, Guerlain ne se contente pas de revisiter une fragrance iconique. La Maison étend son univers au territoire du maquillage avec une édition collector pensée comme un véritable objet de collection.

L’Heure Bleue 2026 se décline ainsi autour de trois écrins Rouge G, habillés de motifs inspirés de l’univers chromatique de la fragrance : Bleu Astral, Bleu Iconique et Bleu Rêverie.

Des pièces qui prolongent l’expérience olfactive par une approche visuelle et tactile, et qui transforment le maquillage en accessoire de luxe à part entière.

Une nouvelle page pour une légende centenaire

En choisissant 2026 pour faire renaître L’Heure Bleue, Guerlain signe bien plus qu’une nouvelle création. La Maison réaffirme sa capacité à faire vivre son patrimoine sans jamais le figer.

Car c’est peut-être là que réside le véritable luxe : faire traverser le temps à une création tout en lui permettant de rester désirable, contemporaine et profondément émotionnelle.

L’Heure Bleue continue ainsi son voyage. Et, plus d’un siècle après Jacques Guerlain, son crépuscule bleu n’a rien perdu de sa magie.

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Et pourtant, un siècle après sa naissance, son visage continue d’habiter les murs des chambres, les restaurants vintage, les galeries d’art, les défilés de mode et l’imaginaire collectif.

Le 1er juin 2026, Marilyn Monroe aurait célébré ses 100 ans.

Mais voici le plus fascinant : Marilyn Monroe n’a jamais vraiment disparu.

Dans un monde saturé d’images, d’influenceurs et de célébrités instantanées, aucune star n’a réussi à reproduire ce mélange si rare de glamour, de vulnérabilité, de sensualité et de mystère qu’elle incarnait.

Cent ans après sa naissance, Marilyn demeure probablement la femme la plus reconnaissable du XXe siècle – peut-être même de l’histoire contemporaine.

Plus qu’une actrice, une obsession mondiale

Au fond, Marilyn Monroe n’a jamais été seulement une actrice.

Oui, elle fut la star de classiques du cinéma comme Les Hommes préfèrent les blondes, Sept ans de réflexion ou encore Certains l’aiment chaud. Oui, sa robe blanche soulevée par une bouche de métro est devenue l’une des images les plus célèbres du cinéma.

Mais si son image a traversé les décennies, ce n’est pas uniquement grâce à Hollywood.

Marilyn représentait un paradoxe vivant.

À l’écran, elle jouait souvent la blonde séduisante, légère, presque naïve. Hors caméra, Norma Jeane Baker – son vrai nom – était une femme profondément ambitieuse, passionnée de littérature, avide d’être reconnue comme une actrice sérieuse.

« Marilyn voulait être prise au sérieux tout en restant un sex-symbol », expliquait le journaliste et collectionneur Sébastien Cauchon, coauteur de Marilyn Chérie avec Catherine Deneuve.

C’est peut-être là que réside son mystère : Marilyn n’était jamais une seule personne.

Elle était plusieurs femmes à la fois.

La femme derrière le mythe

Derrière le sourire rouge iconique se cachait une enfance fracassée.

Née d’un père inconnu, ballotée entre familles d’accueil et orphelinats, avec une mère souffrant de troubles psychiatriques, Marilyn grandit dans l’instabilité émotionnelle.

Très tôt, elle comprend une chose : survivre signifie se réinventer.

Norma Jeane Baker devient mannequin.

Puis actrice.

Puis phénomène mondial.

Mais derrière les flashs, la jeune femme lutte contre l’anxiété, les insomnies, le regard des studios et une industrie hollywoodienne qui tente de l’enfermer dans le rôle de “bombe blonde”.

Alors qu’on la croyait fragile, Marilyn ose pourtant quelque chose de révolutionnaire pour son époque : défier Hollywood.

En 1955, elle quitte Los Angeles, fonde sa propre société de production et renégocie son contrat avec la Fox pour exiger de meilleurs rôles.

Une démarche rare pour une femme dans les années 1950.

Bien avant les discours modernes sur l’émancipation féminine, Marilyn se battait déjà pour contrôler sa carrière et son image.

Pourquoi Marilyn nous fascine encore ?

Parce qu’elle reste profondément humaine.

Elle était magnifique, célèbre, adulée – et pourtant profondément vulnérable.

Elle incarnait le rêve américain tout en exposant ses fissures.

Aujourd’hui encore, beaucoup de jeunes femmes se reconnaissent dans ses contradictions : vouloir être forte mais sensible, séduisante mais intelligente, libre mais aimée.

Marilyn n’était pas parfaite.

Et c’est précisément ce qui la rend éternelle.

Comme l’expliquait Catherine Deneuve dans plusieurs interviews consacrées à l’actrice : Marilyn Monroe n’était pas seulement une image glamour, elle portait aussi une immense mélancolie.

Cette fragilité presque visible à travers l’écran est devenue une part essentielle de son mythe.

Une influence qui traverse les générations

De la mode au cinéma, de la beauté aux réseaux sociaux, l’héritage Marilyn reste partout.

Ses lèvres rouges, ses boucles platine, son maquillage lumineux et sa sensualité maîtrisée continuent d’inspirer créateurs, photographes et stars contemporaines.

Des célébrités comme Madonna, Kim Kardashian ou encore Ana de Armas ont toutes, à leur manière, revisité le mythe Marilyn.

Même son parfum favori, le mythique Chanel No. 5, reste associé à son aura après sa célèbre phrase sur ce qu’elle portait pour dormir.

Et dans une époque obsédée par la jeunesse éternelle, Marilyn possède un étrange privilège : le temps ne l’a jamais rattrapée.

Le public ne l’a jamais vue vieillir.

Elle est restée figée quelque part entre glamour absolu et tragédie suspendue.

Et si Marilyn avait survécu ?

Aurait-elle gagné un Oscar ?

Vieilli avec élégance ?

Défendu la cause des femmes à Hollywood ?

Ou serait-elle devenue simplement une immense actrice parmi d’autres ?

Personne ne le saura jamais.

Mais une chose semble certaine : si Marilyn Monroe continue de nous fasciner cent ans après sa naissance, ce n’est pas parce qu’elle était parfaite.

C’est parce qu’elle semblait chercher, comme tout le monde, à être aimée tout en restant elle-même.

Et peut-être qu’au fond, c’est cela, une légende : quelqu’un qui disparaît sans jamais vraiment partir.

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Une fleur précieuse au cœur de la haute parfumerie

Surnommé « l’or blanc de la parfumerie », le jasmin séduit par sa richesse aromatique unique. Selon sa variété, son terroir et son heure de récolte, il peut révéler des facettes tantôt fraîches et florales, tantôt plus charnelles, solaires ou légèrement animales.

Parmi les variétés les plus recherchées figure le jasmin sambac, apprécié pour sa sensualité exotique, mais aussi le jasmin grandiflorum, réputé pour ses notes raffinées et lumineuses, très utilisées dans les parfums de prestige.

Sa récolte reste un travail minutieux : les fleurs sont souvent cueillies à la main, parfois avant l’aube, afin de préserver toute leur intensité olfactive. Il faut plusieurs milliers de fleurs pour produire une faible quantité d’extrait, ce qui explique sa valeur élevée dans l’univers du luxe.

Pourquoi le jasmin fascine-t-il autant ?

Le jasmin possède une rare capacité à transformer un parfum. Il peut apporter de la douceur, de la féminité, de la profondeur ou encore une sensualité presque magnétique. C’est cette polyvalence qui pousse les plus grandes maisons à l’intégrer dans leurs créations.

Certaines fragrances mettent le jasmin au premier plan, tandis que d’autres l’utilisent discrètement pour enrichir une composition florale, boisée ou orientale.

Ces parfums de luxe qui subliment le jasmin

Impossible d’évoquer le jasmin sans parler des créations iconiques qui lui rendent hommage.

Le célèbre J’adore de Dior a fait du jasmin l’un de ses piliers olfactifs, offrant une signature florale lumineuse et sophistiquée devenue incontournable.

Chez Tom Ford, Jasmin Rouge revisite la fleur dans une version plus intense et audacieuse, mêlant sensualité orientale et épices raffinées.

La maison Guerlain, quant à elle, sublime le jasmin dans Samsara, un parfum enveloppant où la fleur dialogue avec le bois de santal dans une composition devenue culte.

Dans un registre plus confidentiel et proche du jasmin naturel, certaines maisons de niche proposent des interprétations presque fidèles à l’odeur de la fleur fraîchement cueillie, rappelant les soirées d’été méditerranéennes.

Le jasmin, une émotion avant tout

Au-delà de son élégance, le jasmin possède une forte dimension émotionnelle. Son parfum évoque souvent des souvenirs intimes : une promenade nocturne, un jardin d’été, un bouquet posé près d’une fenêtre ouverte ou encore des traditions profondément ancrées dans certaines cultures méditerranéennes.

En Tunisie notamment, le jasmin occupe une place symbolique forte. Fleur emblématique des soirées estivales, portée à la main ou glissée derrière l’oreille, il fait partie intégrante de l’identité sensorielle du pays. Une richesse culturelle qui résonne naturellement avec son succès dans la parfumerie internationale.

Entre tradition et modernité

Alors que les tendances beauté évoluent vers des signatures plus personnelles et sophistiquées, le jasmin continue de séduire une nouvelle génération d’amateurs de parfums. Tantôt minimaliste, tantôt opulent, il reste une valeur sûre de la parfumerie de luxe.

Car au fond, si les modes passent, certaines senteurs demeurent intemporelles. Et parmi elles, le jasmin conserve ce pouvoir rare : celui de laisser une empreinte invisible, mais inoubliable.

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Sur le podium, les mannequins ne marchaient pas vraiment chaussés. À leurs pieds ? Une création déroutante signée Matthieu Blazy : un simple talon suspendu, maintenu par de fines lanières autour de la cheville. Pas de semelle, ou presque. Les orteils, eux, complètement libres.

Oui, vous avez bien lu.

La “no-shoe trend” est née

Certains parlent déjà de “sandales invisibles”. D’autres de “chaussures inachevées”. Sur les réseaux, c’est simple : le débat est lancé — et il est explosif.

Entre fascination et incompréhension, les réactions fusent :
“Mais qu’est-ce qu’on est en train de faire ?!”
“J’aimerais que ce soit une blague…”

Résultat ? Des milliers de commentaires, des likes qui s’envolent… et un buzz parfaitement maîtrisé.

Une provocation… ou un génie créatif ?

Avec cette pièce ultra-minimaliste, Matthieu Blazy ne cherche pas à plaire à tout le monde — il impose une vision.

Graphique, presque conceptuelle, cette “demi-chaussure” brouille les codes :

• entre intérieur et extérieur
• entre plage et couture
• entre nudité et sophistication

Un clin d’œil subtil à l’esprit de Gabrielle Chanel, qui a toujours prôné liberté et confort, même dans le luxe.

Biarritz, sable, sirène et haute couture

Le décor n’était pas choisi au hasard. C’est à Biarritz, berceau historique de Chanel, que cette silhouette presque pieds nus a pris vie.

Dans une ambiance entre plage et fantasme marin, les mannequins défilaient comme des sirènes modernes, talons ancrés… mais orteils dans le sable imaginaire. Une esthétique hybride, entre rêve et réalité.

Portable dans la vraie vie ? Pas sûr…

Soyons honnêtes : difficile d’imaginer ces sandales sans semelle envahir les rues. Même les experts mode s’accordent à dire qu’une version “commercialisable” devra probablement réintégrer… une vraie semelle.

Mais au fond, ce n’est pas la question.

Le vrai objectif : faire parler. Mission accomplie.

Dans une époque où la mode se joue autant sur Instagram que sur les podiums, Chanel vient de frapper fort. Très fort.

Plus qu’une chaussure, c’est un statement.
Plus qu’un accessoire, une expérience visuelle.

Et surtout, une preuve que dans la mode d’aujourd’hui, le buzz est devenu une matière première.

Alors… vous oseriez sortir comme ça ?

Entre œuvre d’art, coup marketing et révolution stylistique, une chose est sûre :
Chanel ne nous habille plus seulement… elle nous fait réagir.

Et parfois, c’est encore plus puissant.

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Pour le Dr Jihene Baccar, médecin esthétique, le sujet mérite profondeur et responsabilité.

« L’acide hyaluronique est une molécule naturellement présente dans notre corps. Ce n’est pas un produit étranger. Il hydrate, soutient, structure. En médecine esthétique, on l’utilise pour restaurer ce que le temps diminue. Mais restaurer ne signifie pas transformer. »

La distinction est importante. Selon elle, la banalisation des injections sur les réseaux sociaux a parfois dénaturé la perception du geste médical.

« On voit beaucoup d’images standardisées. Des lèvres volumineuses, des visages figés. Pourtant, l’objectif d’une injection réussie, c’est que la personne continue à se ressembler. On doit reconnaître le visage. On doit reconnaître la femme. »

Au fil des années, les indications se sont élargies. Outre les pommettes, les lèvres ou l’ovale du visage, l’acide hyaluronique peut aussi être utilisé dans des indications plus spécifiques, y compris en gynécologie esthétique.

« Oui, il existe aujourd’hui des injections dans les zones intimes, notamment pour améliorer le confort ou restaurer des tissus après des changements hormonaux ou des accouchements. Mais cela reste un acte médical, avec des indications précises. Ce n’est jamais un geste anodin, ni un geste de mode. »

Ce qui préoccupe particulièrement le Dr Baccar, c’est l’hyper-injection.

« L’excès est devenu une tendance. On injecte trop, trop souvent, trop tôt. Le visage perd alors sa dynamique naturelle. Il faut respecter l’âge, respecter la morphologie, respecter l’identité. À 30 ans, on ne doit pas chercher le visage d’une adolescente. À 50 ans, on ne doit pas effacer toute trace du temps. Le but n’est pas de nier l’âge, mais de l’accompagner avec élégance. »

Elle insiste également sur un point fondamental : l’environnement médical.

« Une injection doit être réalisée par un médecin formé à l’anatomie. Le visage est traversé par des réseaux vasculaires complexes. Une erreur peut avoir des conséquences graves. Il faut vérifier la traçabilité du produit, la qualité du laboratoire, et s’assurer que l’acte se déroule dans un cabinet médical sécurisé. »

Pour elle, la clé réside dans l’harmonie.

« L’esthétique moderne n’est pas dans la transformation spectaculaire. Elle est dans l’équilibre. Une injection réussie est celle que l’on ne remarque pas, mais qui illumine le regard, adoucit une expression, redonne confiance. »

Au-delà de la technique, l’approche est presque philosophique.

« Il faut se poser une question simple avant d’injecter : est-ce que je veux ressembler à quelqu’un d’autre, ou à moi-même en mieux ? La médecine esthétique doit accompagner l’estime de soi, pas créer une dépendance ou une uniformisation. »

Dans un monde où l’image occupe une place centrale, le véritable luxe serait peut-être celui-ci : rester soi, tout simplement.

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L’élégance durable d’une supermodel des années 90

Entre nostalgie douce et charisme intact, les supermodels des années 90 continuent de fasciner. Claudia Schiffer, Cindy Crawford, Naomi Campbell… et bien sûr Christy Turlington. Moins médiatisée que certaines de ses consœurs ces dernières années, l’Américaine n’en reste pas moins une figure majeure de l’histoire de la mode.

Avec plus de 500 couvertures de magazines à son actif et des défilés pour Chanel, Dior, Valentino ou Versace, elle a marqué toute une génération. Mais là où d’autres ont cultivé le mythe, Christy Turlington a choisi la constance et la sérénité. Pas de scandales, pas de fracas : une trajectoire élégante, guidée par un mantra simple – un esprit sain dans un corps sain.

Parallèlement à sa carrière, elle poursuit des études en art, religion et philosophie, et s’impose comme une pratiquante de yoga de longue date. Une discipline qui façonne encore aujourd’hui son rapport au corps, au temps et à la beauté.

Lorsqu’Apple TV+ consacre en 2023 une série documentaire aux supermodels iconiques, sa présence s’impose comme une évidence. Elle y replonge avec émotion dans cette période unique : une époque où le rythme était différent, où les shootings prenaient le temps, et où la surprise faisait encore partie de la magie des magazines.

Elle se souvient d’une industrie plus lente, presque artisanale, mais salue aussi les évolutions majeures de ces dernières années, notamment une définition plus inclusive de la beauté. Pour elle, la beauté n’a jamais été une notion unique ou figée – et c’est sans doute ce qui rend son parcours toujours aussi actuel.

Une nouvelle aventure pleine de sens avec Lancôme

En 2026, Christy Turlington devient ambassadrice mondiale Lancôme, rejoignant un cercle prestigieux composé de femmes comme Julia Roberts, Penélope Cruz ou Isabella Rossellini. Une collaboration qui fait écho à ses engagements personnels autant qu’à son image.

Le mannequin se définit depuis longtemps comme une fervente défenseure de la santé et du bien-être des femmes. À travers son organisation Every Mother Counts, elle œuvre pour l’amélioration de la santé maternelle dans le monde. Cette dimension engagée trouve un écho naturel dans la vision d’une beauté porteuse de sens défendue par la maison française.

À ses yeux, vieillir n’a rien d’inquiétant – bien au contraire. Le temps qui passe rime avec expérience, connaissance de soi et liberté. Chaque année lui semble plus riche que la précédente, parce qu’elle s’accompagne d’une compréhension plus profonde de qui elle est réellement.

La beauté selon Christy Turlington : simplicité et conscience

Son approche de la beauté reflète cette philosophie. Minimaliste, sensorielle, intuitive. Elle privilégie la qualité à la quantité, les textures qui procurent du bien-être, et un maquillage à peine perceptible. L’objectif n’est pas de transformer, mais de révéler : avoir l’air reposée, lumineuse, en bonne santé.

Son mode de vie suit la même logique. Le yoga reste son pilier, associé à la course à pied, à la marche en pleine nature dès qu’elle le peut, et à des plaisirs simples : dormir suffisamment, boire beaucoup d’eau, cuisiner, lire, passer du temps en famille. Son refuge ? Son foyer new-yorkais, loin de l’agitation.

À 57 ans, Christy Turlington ne cherche pas à figer le temps. Elle l’habite pleinement. Et c’est précisément cette sérénité, cette force tranquille et cette beauté consciente qui font d’elle une ambassadrice Lancôme si évidente aujourd’hui.

 

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Stephanie Cavalli n’est pas seulement le visage marquant du dernier show Chanel — elle en est aussi l’un des symboles les plus puissants. Mannequin star dans les années 1990, elle a quitté les podiums à 38 ans, convaincue qu’elle n’avait plus sa place dans une industrie obsédée par la jeunesse. Quinze ans plus tard, elle revient, cheveux gris assumés, silhouette intacte et regard apaisé. Et c’est Matthieu Blazy lui-même qui la choisit pour ouvrir le défilé.

Une trajectoire rare, intime, et profondément actuelle.

Une carrière stoppée net… à cause de l’âge

Née à Ostia d’un père italien et d’une mère guadeloupéenne, Stephanie Cavalli s’installe aux États-Unis à 26 ans et travaille à plein temps comme mannequin. Mais à 38 ans, elle décide d’arrêter.

Dans une interview accordée à Vogue, elle explique :

« J’étais dans un entre-deux : trop âgée pour continuer ce métier, trop jeune pour entrer dans la catégorie des “mannequins seniors”, comme on nous appelle aujourd’hui. »  Stephanie Cavalli, Vogue

Elle décrit aussi la pression constante de l’époque :

« Être mannequin dans les années 1990 et 2000 a été une expérience magnifique, mais aussi très difficile. On me disait sans cesse à quoi je devais ressembler et qui je devais être. J’ai commencé à 22-23 ans, et on me suggérait de dire que j’en avais 18, parce qu’à mon âge je n’étais déjà plus “idéale”, perçue comme trop vieille. » — Vogue

Épuisée par ces injonctions, elle quitte les podiums et ouvre une boutique vintage dans l’État de New York. Elle s’y reconstruit, se réapproprie son image, va jusqu’à se raser la tête, et entame un profond travail personnel.

Le retour à 50 ans : cette fois, selon ses règles

C’est en 2020 qu’un photographe l’encourage à contacter une agence représentant des mannequins de plus de 40 ans. Elle tente sa chance. Elle a alors 40 ans passés. Dix ans plus tard, elle défile pour Chanel.

Cette renaissance a une saveur particulière :

« Cette longue pause a été fondamentale pour comprendre qu’aujourd’hui, à 50 ans, je peux être mannequin avec ma propre image et mon propre récit. Je n’ai plus à suivre les directives de qui que ce soit, je peux être moi-même, et non ce que le marché attend. » reporté par Vogue

Lorsqu’elle apprend qu’elle ouvrira le défilé Haute Couture, l’émotion est immense :

« Quand Matthieu est venu me l’annoncer, j’étais au septième ciel… C’était une preuve de confiance incroyable. » reporté par Vogue

Chanel, l’âge et un moment charnière dans la mode

Pour Stephanie Cavalli, ce défilé dépasse sa propre histoire. Il marque un tournant.

« Juste après le défilé, en voyant l’attention portée à la diversité d’âge chez Chanel, j’ai compris à quel point c’était grand, beau et essentiel que Chanel fasse défiler des femmes de différents âges en haute couture. »  reporté par Vogue

Elle reste lucide – la mode fonctionne par cycles – mais demeure optimiste : « On avance parfois d’un pas et on recule de trois. Mais il existe une réelle attention pour ces sujets, et il est important de continuer à en parler. » reporté par Vogue

Ses cheveux gris, son manifeste silencieux

Autre signature forte : sa chevelure blanche, devenue virale.

« J’ai décidé d’arrêter de les teindre pendant la pandémie. C’était le bon moment pour affronter la transition vers les cheveux gris. Je suis ravie de l’avoir fait : mes cheveux n’ont jamais été aussi sains et beaux. » reporté par Vogue

Pour elle, la beauté réside dans la simplicité et l’authenticité –  une vision qui fait écho à l’élégance discrète de Chanel.

“C’est le meilleur moment pour avoir 50 ans”

Aujourd’hui, Stephanie Cavalli parle d’épanouissement plutôt que de revanche.

« Nous avons tous un potentiel immense… J’ai 50 ans, et je trouve cela magnifique de voir tout ce que j’ai encore à découvrir et à exprimer. » — Vogue

Dans une industrie qui l’avait mise de côté, elle revient sans demander la permission.
Pas comme une exception.
Mais comme la preuve vivante que le style, la présence et la force ne connaissent pas de date d’expiration.

Et si le vrai luxe, en 2026, c’était simplement d’oser être soi — à tout âge ?

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Un décor inspiré des boîtes Dior

Dès l’entrée, le ton est donné : une scénographie spectaculaire composée d’empilements de boîtes Dior revisite l’un des symboles les plus reconnaissables de la Maison. Ce décor monochrome, habillé du célèbre gris Dior, sert d’écrin à une mise en scène immersive où accessoires miniatures, silhouettes et objets fétiches semblent surgir d’un univers onirique.

Cette installation met en lumière les créations Printemps-Été 2026, premières expressions du nouveau langage créatif impulsé par Jonathan Anderson.

Les nouvelles icônes de la Maison

Au cœur de l’espace, les visiteurs découvrent une sélection de pièces déjà convoitées :
le Lady Dior revisité, le Dior Book Tote brodé aux couleurs de grands classiques littéraires, ou encore le Dior Bow, nouveau sac à la silhouette affirmée.

Prêt-à-porter féminin et masculin se répondent dans une présentation co-ed, reflet de l’évolution stylistique insufflée par le directeur artistique. Souliers et accessoires complètent cette proposition mode pensée comme un vestiaire complet.

Certaines pièces sont proposées en exclusivité, renforçant l’attrait de cette escale parisienne pour les amateurs et collectionneurs.

Un clin d’œil à l’histoire de Dior

Ce pop-up n’est pas qu’une vitrine contemporaine : il s’inscrit dans l’héritage de la Maison. La scénographie fait subtilement écho à “Colifichets”, la boutique d’accessoires ouverte par Christian Dior avenue Montaigne à la fin des années 1940. Déjà à l’époque, l’idée était de proposer des créations raffinées dans un esprit plus accessible et ludique — une philosophie que Jonathan Anderson revisite aujourd’hui avec modernité.

Personnalisation et jeu exclusif

Fidèle à son approche créative et interactive, le pop-up propose plusieurs expériences inédites.
Un service de personnalisation permet aux visiteurs de faire apposer leurs initiales sur des carnets et marque-pages, transformant ces objets en souvenirs uniques.

Plus surprenant encore : un jeu imaginé spécialement pour l’événement invite chacun à choisir l’une des emblématiques boîtes grises Dior. À l’intérieur, certains chanceux découvriront un ticket d’or, sésame donnant accès à des cadeaux exclusifs signés Dior.

Une destination mode incontournable de la saison

Entre hommage patrimonial, nouvelles silhouettes et expériences immersives, ce pop-up Dior s’impose comme l’un des rendez-vous retail les plus marquants de la saison parisienne. Une manière pour la Maison de réinventer le lien avec son public, en transformant l’acte d’achat en véritable moment d’émotion et de découverte.

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